Por Miranda Cervantes (@mirandacerflo)
Hace 50 años, la música llegó a su máxima expresión en una era de creatividad experimental . Inspirados en experiencias personales, amor, desamor y el uso de psicotrópicos, 1966 fue pionero en el acercamiento a tal espectáculo musical. Con una mirada desde otro lente, en otro contexto social y musical, la creatividad brotó hasta convertirse en un álbum. Ya fuera al cambiar la forma de escribir o definir un propio estilo, en esta década se mostraron algunos de los álbumes más influyentes en la historia de la música.
Revolver de The Beatles
Con un álbum de 35 minutos de duración, que tomó exactamente 300 horas de estudio, The Beatles se despidieron de las giras y concentraron sus esfuerzos en dar a luz a aquella revolución un tanto liderada por ese objeto con estructura de batalla que mandaría a volar cabezas, el mismo “revólver”. Como un ícono de las discografías dentro del año de 1966, Revolver está caracterizado por mostrar la alteración de trabajo por parte de la banda, donde ellos mismos pudieron valorar la flexibilidad de la tecnología emergente a través del arte. Respaldado por el estruendo del sonido de guitarras Gibson y un bajo Rickenbacker, la batería entrecortada de Ringo, y destellos de panderos y órganos, el álbum destaca por la psicodelia emergente que los instrumentos, mezclados con el sitar y aquellas letras que aluden a las drogas. Con Revolver, el excepcionalismo fue la palabra que definió a The Beatles respondiendo así, con la libertad de empujar la extensión musical hasta crear el epítome de un viaje, ya sea en el amor o un poco de LSD.
Pet Sounds de The Beach Boys
Dejando la evolucionaria y controversial composición, digna de una obra maestra por parte de Brian Wilson, a Pet Sounds se le considera como el primer álbum “conceptual”. Desde el inicio hasta el final, The Beach Boys nos presentan una visión intensa, linear y personal de los caprichos que existen en un asunto amoroso, además de la dolorosa e introvertida ansiedad que forman las precipitaciones de la inestabilidad química de cualquier relación amorosa. Llevado a cabo con una ejecución musical perfecta, este mordaz ciclo de canciones de amor, que tienen el impacto emocional de una evocadora novela, no solamente cambió el ciclo de la música popular, si no varias vidas en el curso de la negociación. La mezcla del clavecín, trompetas e infinidad de sonidos ajenos junto con las letras, también cambió a su creador, Brian Wilson, donde ni él mismo estaba preparado para Pet Sounds, algo tan "hermoso", tan lleno de amor, tan "enternecedor".
Blonde on Blonde de Bob Dylan
“Es lo más cerca que he estado al sonido que escucho en mi cabeza… Ese delgado, casi-como-el-mercurio y explosivo sonido”, así proporcionó el mismo Bob Dylan la mejor explicación para la brillantez maníaca detrás de las 14 canciones que forman el álbum. Con el ritmo anfetaminado de composición y grabación, Dylan pudo combinarlo con la presencia de los mejores músicos, donde una contradicción casi magnífica pudo darse. Con la mejor estructura musical, genios como el guitarrista Robbie Robertson, de The Band, el baterista Kenneth Buttrey y el pianista Hargus Robbins, el voluble lenguaje y la cantada incisiva de una taberna surrealista pudo ser entregado hasta crear unas de las más finas y claras canciones. Con el confort y el deseo como temas ensimismados en el álbum, la distancia entre la imaginación de Bob Dylan y su música, colapsó enteramente.
Face To Face de The Kinks
The Kinks simplemente tienen un truco para acertar ciertos rasgos con una erudición sin esfuerzo alguno. Esto mismo los llevó a producir un número de espectaculares canciones digas de la admiración completa de un álbum. Con una confección de éxitos ricos en ingeniosos e irónicos retratos de personajes y conmovedora nostalgia, un sonido mucho más sutil y gentil, que por poco cruza la línea hacia un territorio más folk, nos da un acercamiento a cuando la psicodelia empieza a amarrar sus raíces en el rock. Face To Face tiene esa vitalidad y energía a lo largo de su desarrollo, donde humores más sombríos y tensos llegan a aclimatarse. Ya sea si es un pico emocional o la hostilidad de sus letras, la banda expresa con consistencia el estilo, donde va la calidad antes de cantidad.
Aftermath de The Rolling Stones
Como su cuarto álbum a la venta, Aftermath fue realmente el segundo “verdadero” álbum por parte de The Rolling Stones, seguido de Out Of Our Heads de 1965. Desde ese año pasado, la banda llegó a la cima de su mezcla de blues estilo Chicago y pop-rock. Aftermath se construye bajo eso, mientras impulsa a la banda a encontrar ese estilo propio, más distintivo. Siendo el primer álbum de la agrupación escrito por el dúo dinámico Jagger-Richards, fue impulsado por una fuerza multiinstrumentista de Brian Jones hacia la única y perceptible calidad de sonido. Jones incorporó aquellas influencias psicodélicas y de folk, donde la expansión musical incluía toques de salterio, sitar, marimba y varios teclados. Muchas de las canciones, con raíces en ese eléctrico blues de Chicago y la tangente musical de Jones, le añaden ese sabor estratégico al álbum, donde un himno con mensajes oscuros a la dependencia de drogas se plasma a la perfección. Aftermath podría finalmente marcar la pleamar de la influencia de Jones sobre la banda, donde el rumbo de The Rolling Stones queda como veredicto de la duda más grande.
Freak Out de Mothers Of Invention
En la música, hay muy pocos álbumes debut que realmente destacaron. Freak Out es un claro y clásico ejemplo de esos, introduciendo al mundo musical ese loco científico del rock, Frank Zappa. Como un verdadero genio de la música, Zappa nos aseguró que mezclar el rock con la locura y la rareza está bien. Con la distintiva forma de componer, la ejecución guitarrista y el sardónico ingenio, el álbum permanece como una improbabilidad en el arte. En tan solo unas pocas palabras, Freak Out puede describirse como un pop abstracto. Mucho material del disco es sorprendentemente accesible, se combina el doo-wop con toques de psicodelia y ese rock derecho hasta crear esta declaración musical. Es con esta base, que instrumentos como el vibráfono, la guitarra, mucha batería y hasta el mirlitón se esfuman para crear una dependencia sensorial y memorial. Con letras sobre la disfuncional sociedad y sobre herramientas sociales como el amor y el humor trivial, el álbum nos presenta una nueva cultura, donde la década de los sesenta estuvo más que abierta a esta proposición experimental.
'The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators' de The 13th Floor Elevators
Cerca a su presentación homónima, el álbum puede ser fácilmente uno de esos primeros acercamientos a la psicodelia. Oscuro, humorístico, raro, edificante, hipnótico e intenso. Fiel a su género musical, el álbum puede ser un poco difícil al principio, ya que la textura incorporada de variedad de sonidos va de la mano con esa voz oscura, penetrante y hechizante. Con una lista de canciones fuera de un estándar normal en la música, la letra captura al instante. Guitarreos incesantes, beats imparables y una infinidad de ambiente, hacen casi improbable que un ritmo constante se pueda mezclar con algo tan cautivador. Al igual que la psicodelia, se tiene por seguro que cada vez que se escucha, se descubren cosas nuevas al oído. Ya que cabe mencionar la diferencia abismal entre sonido y ruido.
'Fifth Dimension' de The Byrds
El género psicodélico se encontraba como un rumor, The Beatles no habían sacado Revolver, Jefferson Airplane pospondría 7 meses su disco y Pink Floyd, Grateful Dead y Country Joe And The Fish todavía faltaban por sacar el suyo. En julio, el mes que el álbum Fifth Dimension salió a la venta, The Byrds permanecieron solos. Un cinético e irresistible viaje musical que fue basado en etiquetas para drogas, se desarrolló como canciones. Con varios temas como el caos y el resurgimiento, una palpitante línea de bajo a lo garage, armonías folk-rock y la imprescindible guitarra rítmica de Crosby le dieron cuerpo a esta maravilla psicotrópica. Cuando se habla de esta “quinta dimensión”, este completo universo, que es altura, anchura, profundidad, tiempo y… Algo más. Precisamente esa quinta dimensión, la infinidad plasmada a lo largo de toda esta valentía artística.
'If You Can Believe Your Eyes And Ears' de The Mamas And The Papas
En la primavera de 1966, se presentó al mundo un genuino sonido, tan fresco como el impacto que álbumes como Meet The Beatles han tenido. Una aceptación de variedad de géneros como el folk-rock, pop y soul, se reflejó en la cuidadosa forma de abordar la música al crear un álbum. Con una deliberada y espontánea manera de trabajar, este cuarteto de ensueño llevó las armonías, las guitarras rítmicas y melodías perfectas a crear un álbum que no solamente creó material con un sonido ajeno, sino que logró captar la perfecta manera de ambientar un espacio al “ensueño Californiano”.
