Como todo mundo merece espacio y tiempo, este mes no contaremos con la siempre necesaria intro de Raquel.

Te leemos el próximo mes.

 

 

Oblivion – Romare
Andrés

 

 

Para asimilar este disco hay que entender la lógica de collage con la que Romare construye su música. A través del sampleo recoge voces, ritmos y referencias históricas para reacomodarlas dentro de un lenguaje musical difícil de encasillar. Combina broken beat, trip-hop, jazz y downtempo para hacerlo sonar a un club inglés de música experimental o a un soundtrack para contemplar el interfaz de una computadora noventera. 

El resultado es un sonido contemporáneo y futurista a la vez, atravesado por la sensibilidad de Romare. No solamente busca producir música para bailar, sino crear un complejo collage electrónico utilizando material cultural con peso político y filosófico. Es un punto medio entre hacerte bailar eufóricamente y ponerte los audífonos para clavarte en todos los sampleos. 

“Computer Love” dirige la mirada hacia nuestra relación cada vez más adictiva y dependiente de la tecnología. En “Machines” un poema de Goethe enfrenta lo efímero de la vida humana contra la aparente continuidad de las máquinas. Mientras que “Fearful Symmetry” habla sobre nuestra obsesión por crear cosas cuyas consecuencias quizá aún no entendemos. En “Deeds, Not Words” la atención se mueve hacia la necesidad de actuar frente a los sistemas que moldean nuestro presente y en “Breathe” el disco no abandona el placer ni el movimiento, pero nos permite tomar un respiro. 

Oblivion es un disco que recompensa la curiosidad. En una primera escucha funciona por groove, texturas y atmósferas, pero cuando empiezas a seguir las referencias aparecen otras capas. El disco se expande sin sentirse pesado, a pesar de estar atravesado por temas existenciales y preguntas cargadas. Romare utiliza el sampleo no únicamente como una técnica de producción, sino como una forma de relacionar pasado y futuro para preguntarse hacia dónde va el presente. Vale la pena escucharlo con calma y perderse en el collage.

 

Here Because of Hope – Ezra Collective
Elías Zayed 

 

 

Here Because of Hope puede entenderse como el soundtrack de una lucha por la libertad y de la evolución de una cultura. El álbum transmite una historia de resistencia, identidad y esperanza, especialmente relacionada con la experiencia de la comunidad negra y sus antepasados. Para comprender su significado, es importante considerar el contexto de Ezra Collective y la evolución de su sonido. 

Ezra Collective es un quinteto británico de jazz que combina géneros como el Afrobeat, calipso, reggae, hip-hop, soul y jazz. La banda también ha hablado sobre las dificultades de acercarse al jazz como jóvenes músicos en Londres. Femi Koleoso, baterista y líder del grupo, expresó esta percepción al decir: “I saw jazz music as an elite art form that I didn’t have access to.” A pesar de ello, el grupo convirtió sus influencias musicales en una forma de expresión libre y personal. 

El título refleja una idea central del álbum: la esperanza que permitió a generaciones anteriores resistir y llegar hasta el presente. La portada también refuerza esta idea al mostrar a tres niños negros vestidos de traje, representando “no oigo, no veo y no hablo”, en una referencia al silencio, la identidad y la forma de contar una historia.

El álbum presenta la evolución de la experiencia negra, desde sus raíces africanas y la esclavitud hasta el presente. Esta evolución también se refleja en la música: comienza con sonidos más tranquilos y repetitivos y, conforme avanza, adquiere mayor ritmo, movimiento y sensación de libertad.

El álbum se divide en tres partes:

Part 1

“Beauty for ashes joy for mourning”

Representa el inicio de la historia y las raíces africanas. Aunque existe sufrimiento, también permanece la esperanza de un futuro mejor. Musicalmente, es una sección tranquila, repetitiva y con pocos arreglos, lo que funciona como introducción a esta historia.

Part 2

“Rooted in truth and that truth we chose to amplify through a sound system”

Esta parte resalta la importancia de las raíces y de recordar la identidad cultural. Su sonido es más festivo y está influido por el viaje cultural de África al Caribe. La música invita a disfrutar y bailar, pero sin perder de vista la conexión con la historia y la cultura. 

Part 3

“It´s because of these hope that I’m here, It’s a feeling, a power, it’s in the sound”

Representa la transformación del sufrimiento en música, alegría y libertad. La esperanza de los antepasados se convierte en una razón para estar presentes y para no olvidar de dónde se viene. En esta sección se integran elementos de las dos partes anteriores, reuniendo las raíces, la evolución y la celebración de la vida. 

Here Because of Hope utiliza la música para contar una historia de sufrimiento, identidad, raíces, esperanza y libertad. Sus tres partes muestran cómo el sonido evoluciona junto con la historia: de la repetición y la calma hacia un ritmo más expresivo y libre.

Más que centrarse únicamente en el dolor del pasado, el álbum transforma esas experiencias en esperanza y celebración. Ezra Collective demuestra así que la música puede mantener vivas las raíces culturales y, al mismo tiempo, mostrar cómo una cultura continúa evolucionando. Al final, recordar de dónde venimos también permite comprender por qué estamos aquí.

 

Intentions – megiapa
Dani R

 

 

Cuando no conozco una película o un libro, me veo tentada a leer las reseñas primero: descubrir qué opina la gente, si gustó, no gustó, etc. Son comentarios que poco a poco van cobrando vida y, a veces, resuenan conmigo después de apreciar la obra. Así me pasó con este disco, el Extracto de la semana. Sin haberlo escuchado antes, en mi programa de excelencia de desinformación, Mugre mañana, que suena de lunes a jueves en esta estación, platicaron sobre el disco. 

Hubo opiniones variadas, pero en general sí fue del agrado de los locutores. Me llamó la atención que una de las locutoras comentó que le resulta difícil identificarse con música que no tiene letra. Y aunque en este disco no todo es así, sí hay varios momentos instrumentales. Megiapa muestra cómo no todo discurso en la música es verbal. Parte de esto se debe a que empezó su carrera musical mezclando sampleos en Audacity (un programa gratuito de edición de audio) para generar piezas completas. Pensando en esto, me da esperanza a quienes tienen la espinita de producir música. 

El título inicial “Open Your Eyes” es atinado, porque refleja un despertar para nuestros oídos mientras cachamos el sonido, como si estuviéramos probando un platillo nuevo por primera vez. Hay una continuidad al pasar de ojos abiertos a “Dreaming About You”, que deja un espíritu onírico que se refleja en la portada.

En otros medios han hablado del disco refiriéndose a su cualidad de transformación, resistencia y capacidad de dejar ir. Aunque es una descripción un poco genérica, sí me sentí más libre al escucharlo, al entrar en contacto con varios ritmos que por momentos me recuerdan a las playlists que escucho de “lofi/hip-hop beats to relax/study to” o a estar en un club de jazz neoyorkino. 

Llámenme loca, pero hablar en voz alta a veces me ayuda a sacudir la cabeza. Sospecho que a megiapa igual, pues hay partes que parecen un monólogo sin preocuparse por tener todo el sentido del mundo. Igual que yo, cambia de idioma conforme le van llegando las ideas. 

Esta misma reseña es, de alguna manera, un sampleo: tomé ideas de otras personas que escuché en la radio, las mezclé con mis propios pensamientos al escuchar el disco, tal como megiapa toma distintos elementos y los convierte en algo suyo.

 

CAFE PARADISO – Mykki Blanco
Danielo 

 

 

“Los vagabundos de Nueva York ya no comen pizza de un dólar porque ahora cuesta $1.50”, me dijo mi ex después de pasar un mes en esta extraña Ciudad de México que alguien construyó en Estados Unidos. Me gusta pensar que los chilangos y los neoyorquinos habitamos ciudades con sus respectivos paralelismos. 

Chill and Go! 

Nueva York, como la Ciudad de México, nunca parece terminar de construirse. Crece, se transforma, se encarece, se ensucia, se reinventa y sigue avanzando mientras millones de personas hacen lo mismo a su alrededor. La Gran Manzana es una ciudad donde hasta una rebanada de pizza puede convertirse en una pequeña prueba de su caótica transformación constante.

La ciudad se construyó a partir de distintas migraciones y culturas que fueron transformando su identidad. En 1835 se convirtió en la ciudad más grande de Estados Unidos y, en 1898, Manhattan dejó de ser el territorio completo de Nueva York cuando Brooklyn, Queens, el Bronx y Staten Island se incorporaron a la ciudad. Después llegaron nuevas formas de conectar esos territorios, como sus grandes puentes y el metro, inaugurado en 1904. Nueva York se convirtió en una ciudad hecha de movimiento.

Esa mezcla es justamente lo que hace que CAFE PARADISO, el nuevo álbum de Mykki Blanco, tenga tanto sentido como retrato de la ciudad. Blanco no construye su música desde un solo género, de la misma manera en que Nueva York tampoco pertenece a una sola cultura. Rap, disco, synth-pop, electrónica, ballroom, rock, garage rock y art pop aparecen, chocan y vuelven a desaparecer a lo largo del álbum. Todo parece estar constantemente en tránsito.

Hay algo particularmente neoyorquino en los beats sucios de Blanco. No buscan sonar perfectamente pulidos y tampoco necesitan hacerlo. Tienen algo de las calles, de los clubes pequeños, del ruido que se filtra desde otra habitación y de esa sensación de que siempre hay algo sucediendo a unas cuadras de distancia. El álbum tampoco permanece demasiado tiempo en un mismo lugar.

Por momentos, CAFE PARADISO puede sentirse disparejo. Hay tantas referencias y tantos cambios que algunas canciones parecen vivir en ciudades diferentes. Pero quizá eso es precisamente lo que Blanco está buscando. Nueva York tampoco es una sola ciudad, son múltiples. Existiendo una sobre la otra al mismo tiempo, luchando, armonizando y alimentándose entre sí.

Una galería puede estar junto a un club. Una tienda diminuta puede sobrevivir entre edificios enormes. Una canción de rap puede convivir con un poema, una fiesta ballroom, una iglesia, un restaurante de lujo y una rebanada de pizza que ahora cuesta $1.50.

Mikki Blanco hace lo mismo con la música. Toma elementos que vienen de lugares diferentes y los convierte en un solo espacio. Retrata una Nueva York sucia, sensual, glamorosa, queer, ruidosa, vulnerable y contradictoria. Una ciudad que está constantemente cambiando mientras intenta conservar todo lo que alguna vez la hizo ser ella misma.

Como los chilangos, como los neoyorquinos, como CAFE PARADISO.

 

How To Perform Magic – SOFY
Regina

 

 

Siempre me he dejado guiar por las portadas. En mi mente, una portada te puede decir mucho de lo que vas a escuchar, y mi cabeza inmediatamente asocia la imagen que estoy viendo con el sonido que posiblemente encontraré en el álbum.

Al ver la portada de How To Perform Magic la asocié directamente con el Choke Enough de Oklou y con la estética futurista de los 2000, así que pensé que tendría un sonido más electrónico. Sin embargo, me equivoqué, y eso me dejó pensando si realmente las portadas nos dicen todo. Al poner la primera canción me sorprendí, era un sonido mucho más oscuro y guitarroso de lo que esperaba, me encantó.

En sus trabajos anteriores van más hacia el indie pop y son un poco más… mmm, luminosos; este álbum, en cambio, es mucho más. Escuchar How To Perform Magic por primera vez es regresar a ese cuarto de tu adolescencia después de uno de los peores días de tu vida, cuando lo único que necesitas es desconectarte del mundo y meterte a tu propio universo. Tiene destellos de rock y de pop. A veces me recordaba al álbum homónimo de Santigold, que perfectamente es un disco que muchos escucharon en su adolescencia intentando escapar del mundo. 

Es un álbum que Bella Swan escucharía en ese Forks nublado, intentando entender el lugar al que se acaba de mudar.  Mucho de lo que te mete en ese cuarto son las letras. Es un disco juguetón en ese sentido: SOFY usa un lenguaje cotidiano, con nombres como Nintendogs, Tesco, Malcolm in the Middle o Topshop, y eso hace que sientas que tú hubieras podido escribir ese álbum desde tu cuarto. 

Desde mi punto de vista, es increíble poder sentir esa conexión; lo vuelve mucho más personal.

Lo chistoso es que SOFY está más cerca de los 30 que de los 20, y escribió este álbum desde una crisis de frustración por las emociones y el caos que es acercarse a los 30. Eso me hace pensar que las ganas de escapar y las emociones abruptas no son solo cosa de la adolescencia ni de los veintes, sino parte de esa montaña rusa que conlleva ser un ser humano existiendo. Y si, al final la portada no me dijo nada de lo que esperaba con este álbum, pero siempre es bello sorprendernos.

 

lucy miró al mundo y notó que está girando – AKRIILA
Dany A 

 

 

Mis 22 han sido complicados. Un dolor constante que no sé de dónde viene, un miedo al futuro que a los mayores a mi alrededor les parece irracional, cero matches en Bumble e identificarme con el protagonista de una película coming of age.

Fernanda Sepúlveda (AKA AKRIILA) y yo, tenemos la misma edad. Ella acaba de sacar su segundo disco, donde no sólo termina de afianzarse como una artista internacional, sino que la llevó a preparar una gira que terminará en un recinto de diez mil personas en su natal Santiago de Chile.  

Mientras tanto, yo la escucho en el autobús camino a mi casa, preocupado porque no he entregado ninguna tarea esta semana y preguntándome cómo sobreviviré a otra inminente experiencia cercana a la muerte (me está dando gripa).

Aún así creo que no sentimos cosas tan distintas. Pocas como ella para dejar en palabras la realidad en la que un like en nuestra historia de Instagram es suficiente para seguir imaginando una vida junto a alguien, en la que podemos sufrir de abuso emocional y lo llamaremos migajas y en la que no es necesaria una relación a distancia para sentirte lejos de quien amas.

AKRIILA es consciente de que romperte también implica poder seguirte moviendo aunque estés en pedazos, porque la vida no se detiene y el mundo no deja de girar. Los veintes se tratan de eso, notar que no eres tan importante para nadie, que el cuarto nota tu ausencia menos de lo que crees, y que eres más frágil de lo que piensas.

La portada la muestra deslumbrada por un destello sosteniendo un pequeño caracol en las manos, como si quisiera protegerlo de la inmensidad de lo que lo rodea. No puedo evitar pensar que solo está intentando protegerse a ella misma ante los reflectores y un mundo que hizo su figura cada vez más grande.

Por otro lado, su sonido habita en el indie rock con momentos trip hop y en las texturas digitales que caracterizan las producciones de sus colaboradores Heartgaze y Vinco. Incluye también influencias tan impensables como los Beatles, grupo que le recuerda a su padre y que claramente inspiró el nombre del álbum. “Lucy in the Sky with Diamonds” fue la primera canción que Fernanda aprendió en el piano. 

También integra a los ídolos musicales de quienes pasan demasiado tiempo en pantalla, como Jane Remover y Umru, que seguramente serán la introducción de muchos al universo interminable de hyperpop y digicore que habita dentro del servidor de Rate Your Music.

Este es un disco que retrata la experiencia de quien atravesó una juventud inestable, pero que ahora empieza a ver el mundo de forma más realista. Demuestra que entiende mejor la vida sin dejar de sentir que se le viene encima. Lucy miró al mundo y notó que está girando es para quien, al sentir que el corazón se le rompe en mil pedazos, se lo cuenta a sus veinte seguidores en Twitter.

 

lucero – Encarta 98
Pontas

 

 

Hace unos días me paré afuera de mi casa para ver el cielo. Con esa pequeña pero molesta presión en el pecho cuando uno siente ansiedad, pensé que ver para arriba tendría alguna respuesta. No encontré ninguna, sólo vi una luna bellísima desvelándose entre las nubes. Las razones de mi ansiedad seguían ahí, pero me sentí extrañamente reconfortado.

Ahí parado, como un idiota romántico viendo hacia el cielo, esperaba cómo una gran nube inevitablemente taparía todo el brillo de la luna. Seguí viendo, esperando. Pensé en los pocos segundos que quedaban para que la nube acabara con mi momento de personaje principal. Pensé en que no quería que ese momento se fuera. Pensé en que era inevitable que terminara. Y terminó. Ya no vi la luna. Me metí a mi casa. 

Me gustaría romantizar esta escena todavía más y decir que estaba escuchando a Encarta 98, pero puedo ser un ridículo, más no mentiroso. Lo que sí es cierto, es que este disco me recordó a este momento. Entre todo el reverb de sus guitarras shoegazeras y la dulzura en la voz de María Paula Vázquez, hay una tesis de la nostalgia y su relación con el tiempo, el claroscuro y la esperanza. Justo lo que se espera de una banda llamada Encarta 98. 

La nostalgia es el sentimiento que nos recuerda lo inútil que es querer detener el tiempo. Uno de los primeros sencillos, “pmam”, trata de querer hacer infinita una noche. La necesidad nostálgica de querer hacer infinito lo finito. De atrapar un momento en algo tangible para mantenerlo con vida. Pero hay una impotencia casi inevitable en querer atrapar un momento para hacerlo infinito. Expresado en palabras de la mejor banda underground de México en su canción “Manos de Piedra”: es como decirse una y otra vez “mañana no será mañana”. 

El fin es inevitable, “todas las flores se marchitan y sus colores se apagan”. Todo cambia y termina. “La más silenciosa de todas las horas” nos recuerda que, ante lo inevitable del fin, las palabras quedan en segundo plano. Al final se queda un sentimiento, un pensamiento, algo que supera lo verbal y empieza a hablar por sí sólo. “Son sus ojos los que hablan y su boca la que calla”. Es decir algo sin la necesidad de decirlo. 

Hay sentimientos que no caben en palabras y las guitarras son prueba de ello. El shoegaze es uno de los géneros musicales en donde esto queda más que demostrado, es esencial ese sentimiento catártico de que las guitarras te están diciendo algo. Aquí lo que no alcanza a decir María Paula lo dicen las guitarras. Lloran, gritan, susurran, se calman, suplican. Las guitarras tienen sus propios versos. 

Pero cuando la voz y la guitarra no hablan sólo hay que mirar la portada, una metáfora necesaria del corazón de este disco: el contraste. La mano y las flores coloridas con el fondo oscuro. La textura puntiaguda de los tatuajes y anillos de destello con las suaves ondas a su alrededor. El ligero efecto borroso en las flores contra la claridad de la mano. Los pequeños puntos blancos de luz que se forman en el agua opaca. La necesidad de detener un momento en el tiempo y no poder, tan ingenuamente esperanzada como ahogar unas flores en agua y esperar a que vivan para siempre. 

Ahí estaba yo, esperando a que ese momento viviera para siempre. Esperanzado en que mi momento con la luna no se acabara nunca. Y se acabó. Pero es lindo escuchar a una banda que te diga que no está mal sentirse triste en un mundo así. Que a veces es necesario detenerse, sentir lo más que se pueda y encontrar un lucero que te lleve a sanar entre toda la nostalgia. A veces, ese lucero es mirar eternamente a la luna o hacer un disco de shoegaze.

 

 

Serenity By Jan – Serenity By Jan
Tello

 

 

Ibero 90.9, como espacio quintaesencialmente millennial cuenta con áreas de trabajo comunes, equipadas con el mejor mobiliario godín, llamado de manera interna “activos fijos” aunque sean móviles, sin divisiones físicas de cubículos (solo por área) en concordancia con aquellas famosas imágenes de “las oficinas de google” como principal inspiración.

En estos espacios, el área de contenidos informativos tuvo a bien colocar una horripilante alcancía que funge como “swear jar”, responsable de recolectar las aportaciones de staff y voluntarixs que incurran en faltas no sólo de lenguaje soez, pero además “radiofónicas” (podría haber una nota entera al respecto). 

En el área de contenidos musicales, con el respectivo repudio a las medidas punitivas, carecemos de dicho contenedor. Pero definitivamente podría ser usado en aquellas ocasiones en las que una reseña musical haga uso de términos como “lindo”, “nebuloso”, “atmósfera” o bien cada vez que se menciona a The Velvet Underground como una referencia primordial.

Con Serenity by Jan valdrían toda la pena los 20 varos imaginarios de la multa. Las primeras canciones del álbum tienen la estructura y cadencia de la canción guitarrera de rock de los setenta, como si a un joven Julián Casablancas le hubieras mostrado una canción de Lou Reed y Nina Simone por primera vez, a excepción claro del intro afrodisíaco del álbum que bien podría ser parte de algún disco de Funkadelic.

En alguna revista emo del 2000 leí una frase para describir una banda: “música con personalidad múltiple y episodios de bipolaridad”, obvio eran guitarras distorsionadas y gritos, Serenity by Jan cuadra mejor con la descripción sin la teatralidad darketa que uno imaginaría. Del rock neoyorkino y psicodélico transita al pop hipster acústico con teclados hasta el rebote maniaco del jazz, que en cualquiera de sus fases recuerda al jam y la improvisación, construyendo las canciones de acuerdo al flujo y la experimentación y no a la lógica estructural de una canción convencional. Parece que van escuchando e inventando el resto conforme les parezca pertinente, todo sin salirse del personaje de agente secreto, sensible y lúgubre en su gabardina bajo la lluvia.

Y es que claramente tenía que ser jazz, porque mirando los 500 escuchas al mes y la descripción del artista, “we like making babies and music”, acompañada de una foto íntima de dos randoms, uno no pensaría que se trata del proyecto de los cónyuges Amanda Tavares de Mandaworld (pop AlexGesco y crepúsculiano) y Matthew Tavares, productor canadiense ex miembro de BADBADNOTGOOD (running away is eaaasy). 

Justo como las oficinas de Ibero 90.9, no puede haber nada más millenial que un dueto de esposos haciendo música, llamando su proyecto en referencia a una vela aromática ficticia dentro de la versión americana de The Office y sonando como una mezcla mutante de Pescado Rabioso, Air y Cameron Winter. Soy el primero de mi linaje en decir esa combinación de pelotudeces y sorprendentemente puede ser de mis discos favoritos del año.

P.D: ahí va un 20 más al frasco, deberíamos multarnos por hacer reseñas largas, nadie más que nosotros nos lee.

 

Quiet Storm – Space Afrika
Malau 

 

 

Tengo una fascinación por escuchar discos que me dan miedo y calma a la vez. Mis recientes obsesiones son Perverts de Ethel Cain, 20 Jazz Funk Greats de Throbbing Gristle y Amplifications de Lesley Flanigan.

Hay algo muy encantador en darle play a un álbum y no saber si sigue un rasguño o una caricia. Estar al borde de la silla y usar un reflejo frente a ti para confirmar que, efectivamente, no hay una niñita creepy a punto de asustarte o estar al borde del sueño sintiendo cosquilleos súper relajantes en los oídos. Me encantan los contrastes en la música, pero cuando se trata de miedo y calma siento que estoy jugando con los artistas. Eso me cautiva.

Space Afrika lo hace en su lanzamiento más reciente: Quiet Storm. Este empieza con “Vanity”, una canción que entrelaza la voz de la soprano Axelle Fanyo con unas cuerdas que pintan una escena oscura, triste y solitaria. En las siguientes canciones el panorama se abre y deja entrar una luz suave, como el alba. El resto del disco se sigue tejiendo de esta manera. A veces descansas por unos minutos y luego aparece una melodía que te hace sentir perdido en una ciudad desconocida, y luego vuelves a encontrar calma. 

Este disco es como oler algo familiar y no saber con certeza a qué te recuerda o como escuchar unos pasos que suenan conocidos. Es inesperado, incómodo y extrañamente reconfortante.